L’edizione 2025 de “La Macchina dei Sogni” si svolge a Polizzi Generosa, nel cuore delle Madonie. Un ritorno significativo – dopo le edizioni del 2000, 2004, 2005, 2006, 2008 e 2009 – un ritrovarsi in un luogo che non è solo geografico ma simbolico, capace di accogliere e amplificare il senso più profondo del Festival: fare della bellezza un bene comune, condiviso e vissuto insieme.
Polizzi non sarà una semplice cornice, ma parte viva e attiva del racconto. Il Festival coinvolgerà direttamente la comunità locale attraverso due momenti esperienziali aperti alla cittadinanza, pensati come veri e propri cantieri di creazione collettiva.
Il primo, Gli Dei e la guerra: raccontare l’Iliade ai bambini, è un laboratorio ideato da Sara Cuticchio per avvicinare i più piccoli ai temi epici attraverso la scoperta, il linguaggio del gioco e della narrazione. Il secondo, Una giornata particolare, si articola in due tempi: dapprima saranno proiettati tre documenti filmati che consentono di cogliere le trasformazioni dell’immaginario collettivo dagli anni ’60 del Novecento ad oggi; successivamente ci si addentrerà nell’universo del pupo siciliano con un focus sull’arte della manovra e dei movimenti che danno vita ai pupi di scuola palermitana.
Attraverso questi due percorsi, “La Macchina dei Sogni” ribadisce il proprio intento di coinvolgere la cittadinanza – grandi e piccoli – non solo come spettatori, ma come autori e protagonisti di un’esperienza culturale viva e condivisa.
In questo disegno si colloca anche la mostra Sette volte sogno. Tracce, memorie e creazioni di una città che si fa teatro, che raccoglie i materiali realizzati a Polizzi nelle edizioni passate del Festival.
A completare il programma, gli spettacoli pomeridiani e serali che animeranno la città intrecciando sogni, storie e visioni.

I pupi che porteremo non sono cavalieri armati, ma figure del popolo: donne, vecchi, giovani, bambini. Con loro metteremo in scena i grandi movimenti della storia umana: esodi, fughe dalle dittature, guerre e altre catastrofi che costringono intere popolazioni a lasciare la propria terra, le proprie case, i propri affetti.
Scoprirete che i pupi hanno sempre gli occhi aperti. E quando muoverete i loro fili, li vedrete prendere vita. E forse vi accorgerete che, con la loro fragilità e la loro forza silenziosa, sanno essere più credibili, più sensibili, più umani di tanti essere umani.

Prima parte: proiezioni
Un pomeriggio dedicato all’arte che si tramanda, si trasforma, si reinventa. Tre visioni cinematografiche aprono il dialogo, tracciando un itinerario tra memoria, linguaggi e trasposizione:
• Gli ultimi pupari di Ugo La Rosa, con Franco Franchi e Ciccio Ingrassia (1967, 30’)
• Che cosa sono le nuvole di Pier Paolo Pasolini, con Totò, Franco Franchi, Ciccio Ingrassia, Ninetto Davoli, Laura Betti, Adriana Asti (1968, 22’)
• Making Medusa di Chiara Andrich, con pupi, orchestra e coro diretti da Giacomo Cuticchio (2020, 24’)
Tre sguardi diversi, tre forme espressive, un solo teatro. Dalla marionetta tragica e metafisica immaginata da Pasolini alla Sicilia aspra e poetica descritta nel mediometraggio di Ugo La Rosa, fino all’elaborazione musicale della tragedia firmata da Giacomo Cuticchio. Un invito a riscoprire le radici antropologiche ed estetiche della nostra identità.
A seguire, un incontro-dialogo tra due protagonisti che incarnano la continuità e il cambiamento:
Mimmo Cuticchio, maestro, custode e innovatore dell’Opera dei Pupi, e Giacomo Cuticchio, compositore, regista e musicista capace di attraversare i linguaggi del presente con lo sguardo saldo alle radici. Padre e figlio si interrogano, si ascoltano, si rispecchiano. Una conversazione in cui il passaggio generazionale si fa atto d’amore e confronto creativo. Un’occasione rara per assistere a un dialogo umano e artistico tra due voci che fanno della scena un luogo di bellezza.

Seconda parte: azione e movimento
La seconda parte del pomeriggio proseguirà in piazza Trinità, dove venti cittadini e cittadine saranno guidati da Mimmo Cuticchio nell’arte della manovra e nei movimenti che danno vita ai pupi di scuola palermitana.

Un esempio emblematico è rappresentato dalle scenografie e dai pupi ad altezza d’uomo realizzati a Polizzi per il nostro Macbeth, che debuttò a Città di Castello (PG) per poi raggiungere prestigiosi teatri italiani. Un progetto scenografico profondamente influenzato dallo stesso paesaggio polizzano, che Pina Patti restituì nei fondali e nei cartelloni preparati per la messa in scena.
E come non ricordare l’anno in cui celebrammo il quarto centenario della prima pubblicazione del Don Chisciotte di Cervantes? In quell’occasione, Polizzi divenne palcoscenico diffuso con uno spettacolo memorabile interpretato da Mimmo Cuticchio, Vincent Schiavelli e diversi altri artisti: l’intero borgo, il paesaggio e gli abitanti, si fecero parte viva della narrazione.
Così come uno dei momenti più significativi rimane l’edizione del 2006, che dedicammo alle donne quando ancora di certe questioni se ne parlava poco. Lo spunto fu l’ottantesimo compleanno – o, come amavamo dire, i suoi quattro venti – di Pina Patti, mamma di Mimmo Cuticchio, mia suocera, una donna straordinaria che ho amato come una madre. A questa donna e artista, che ha contribuito con discrezione ma con forza alla nostra attività e ai nostri sogni, abbiamo voluto rendere omaggio attraverso un’edizione che univa il nostro profondo affetto per lei a un impegno civile autentico: riconoscere la centralità delle donne nella vita, nell’arte, nella memoria e nel futuro. Un gesto d’amore e di memoria che restituiva luce e voce al suo lavoro, per noi ancora oggi fondamentale.
La Macchina dei Sogni non è solo una storia di spettacoli, ma di relazioni. Polizzi Generosa è stata ed è ancora oggi una città-laboratorio, un luogo dove la tradizione incontra la sperimentazione, e dove il teatro si fa paesaggio, naturale e umano.
Accanto ai pupi, alle scenografie, ai cartelloni e agli oggetti di scena, la mostra offre uno spazio intimo e allo stesso tempo corale dedicato a ciò che resta nel tempo: le tracce, le testimonianze, le memorie condivise. Restituiamo a modo nostro l’affetto e la gratitudine a tutte quelle donne e uomini – artisti, cittadini, amici – che negli anni hanno preso parte a questo cammino, e che con discrezione e passione hanno contribuito a dare concretezza scenica ai sogni. Una forma di teatralizzazione del documento, un modo per dire che Polizzi non ha solo ospitato il Festival ma lo ha accolto, nutrito, ispirato con passione e partecipazione. In cambio, noi abbiamo seminato sogni che germogliano, con la consapevolezza che il teatro non è mai un atto solitario, ma un gesto collettivo di fiducia.

Elisa Puleo
(Direttrice organizzativa de La Macchina dei Sogni)

La compagnia Figli d’Arte Cuticchio
Nasce nel 1971 sotto la guida di Mimmo Cuticchio, che il 28 luglio 1973 inaugura il Teatro di Via Bara all’Olivella. Il recupero delle tecniche tradizionali dei pupi e del cunto, la ricerca e la sperimentazione sono i principali ambiti di lavoro della Compagnia, che nel 1977 si costituisce in Associazione per realizzare, oltre alle produzioni, progetti di promozione e divulgazione culturale: mostre, laboratori e il festival di teatro di figura e narrazione “La Macchina dei Sogni”, giunto alla 42esima edizione. Dal 2007 il patrimonio completo di pupi, fondali, copioni, macchine sceniche, piani a cilindro, è diventato un luogo aperto al pubblico, un museo in movimento che si sviluppa nei luoghi dove la compagnia lavora, costruisce i pupi e rappresenta le storie tradizionali e di nuova creazione. Oltre al teatro e al laboratorio, esiste un archivio costantemente aggiornato. Nel 2013 il Ministero dei Beni Culturali, su proposta della Soprintendenza Archivistica per la Sicilia, ha dichiarato l’Archivio di Mimmo Cuticchio di “interesse storico particolarmente importante”.

Enzo e Lorenzo Mancuso
Noti come i Fratelli Mancuso, sono tra le voci più originali e profonde del panorama musicale contemporaneo italiano ed europeo. Originari di Sutera, piccolo borgo nell’entroterra siciliano, emigrano da giovani a Londra, dove negli anni Settanta iniziano un percorso artistico e umano che li condurrà a riscoprire, rinnovare e reinventare il patrimonio musicale della loro terra d’origine.
Autodidatti, polistrumentisti e compositori, creano un linguaggio musicale che trascende le categorie tradizionali. La loro produzione si nutre di canti ancestrali siciliani, di echi mediterranei, di spiritualità orientale e di sperimentazioni contemporanee. Il dialetto siciliano, nella loro opera, diventa lingua universale dell’anima.
Accostati per intensità emotiva e rigore poetico a grandi artisti come Arvo Pärt, Giovanna Marini o Jordi Savall, i Mancuso hanno composto colonne sonore per il teatro, la danza e il cinema (tra cui le musiche per “Placido Rizzotto” di Pasquale Scimeca), e collaborato con registi e coreografi italiani e internazionali. Le loro musiche sono state utilizzate in spettacoli diretti da figure del calibro di Peter Brook, Thierry Salmon, Emma Dante, tra gli altri.
Tra i loro dischi più noti: Nzumie (1997), Bella Maria (2000), Cantu (2002), Stella (2013) e Manzamà (2018), lavoro quest’ultimo che segna una nuova maturità espressiva, ricca di tensioni spirituali, politiche e poetiche.
La cifra stilistica dei Fratelli Mancuso è quella di un canto essenziale che unisce rigore e passione, radicamento e apertura, memoria e invenzione. Più che musicisti sono testimoni: portano avanti un’arte che non è solo estetica, ma anche etica, capace di interrogare il presente con le parole antiche del cuore.
Recentemente l’Università degli Studi di Messina ha conferito loro la laurea magistrale honoris riconoscendo il loro contributo straordinario alla cultura musicale, teatrale e poetica del Mediterraneo.

Alfonso Veneroso
Attore, autore e interprete teatrale. Il suo percorso artistico prende forma nella bottega di Mimmo Cuticchio, con cui si avvicina al teatro epico e alla narrazione orale, radicandosi in un’arte antica fatta di voce, corpo e memoria.
Dopo questa esperienza fondante, Veneroso prosegue il suo cammino affiancando Luca Ronconi, uno dei più grandi registi del teatro europeo del Novecento. Al fianco di Ronconi approfondisce una pratica teatrale colta, rigorosa e visionaria, che ne rafforza lo spessore interpretativo e la sensibilità per i testi classici.
Negli anni sviluppa una propria poetica scenica che coniuga la tradizione del racconto orale con le esigenze del teatro contemporaneo. I suoi spettacoli, spesso costruiti attorno a grandi archetipi della letteratura e del mito, si distinguono per l’uso raffinato della parola e per la capacità di attivare nello spettatore un ascolto profondo, quasi rituale.
La sua ricerca artistica è da sempre tesa a fare del teatro un ponte tra il passato e il presente, tra il gesto artigianale e la riflessione politica, tra l’eredità culturale e la necessità di un linguaggio vivo e accessibile. In questo equilibrio tra radici e visione si colloca la sua cifra più autentica: un teatro sobrio, essenziale e potente, capace di rinnovare il senso del mito nella scena contemporanea.

P.I.P.P.U. – Piccola Impresa Per Produrre Umorismo
Nasce nel 2011 come progetto artistico e produttivo della Compagnia Lannutti & Corbo, formata da Domenico Lannutti e Gaby Corbo – coppia nella vita e complici sulla scena, equilibristi tra poesia e comicità, follia e tenerezza.
Con un acronimo che è già una dichiarazione d’intenti, la P.I.P.P.U. si propone di diffondere umorismo intelligente e meraviglia trasversale, promuovendo gli spettacoli della compagnia e organizzando corsi, laboratori e seminari di circo-teatro e teatro comico.
La missione è chiara (e dichiaratamente giocosa): fondere e contaminare linguaggi e tecniche, mescolare clowneria, giocoleria, mimo, cabaret, acrobatica e teatro fisico per generare stupore a 360 gradi e portare il pubblico di ogni età in un mondo dove l’assurdo è reale e la realtà è più bella se un po’ assurda.
La P.I.P.P.U. è dunque una piccola grande fucina dell’umorismo contemporaneo, dove ogni risata è il risultato di un alchemico incastro di arte, mestiere e leggerezza.

Teatri Mobili: un’unica poetica in movimento
CamionTeatro è un teatro viaggiante, ricavato all’interno di un autocarro allestito con cura artigianale, capace di accogliere fino a 35 spettatori per volta. Al suo interno prendono vita due spettacoli senza parole, sospesi tra poesia visiva e teatro di figura, capaci di comunicare a tutte le età e a ogni latitudine, grazie ai linguaggi universali del gesto e della musica, che attivano l’immaginazione.
Accanto a questo spazio scenico prende forma un intero microcosmo teatrale: il “Camion Museo delle Marionette Meccaniche su Ruote”, che, insieme al “CamionTeatro”, delimita un foyer all’aperto, luogo conviviale e di scambio. Qui convivono un palco per la musica dal vivo, piccoli teatrini emozionali (scatole sceniche elettromeccaniche dedicate a un solo spettatore per volta) e una biblioteca interamente dedicata alle arti dello spettacolo.
Questo progetto non è solo una collaborazione tra due compagnie, ma l’espressione di un’unica poetica, nata dall’incontro profondo tra “Girovago e Rondella Family Theater” e la “Compagnia Dromosofista”. Due forze artistiche distinte ma intimamente affini, che oggi si muovono come un solo corpo poetico. Insieme, danno vita a “Teatri Mobili”: un’idea di teatro che torna per strada, che incontra le persone, che sorprende e commuove “in silenzio”, che si insinua tra le pieghe del quotidiano. Un teatro che è artigianato, incanto, viaggio condiviso e arte di stare insieme.

Girovago e Rondella Family Theater
Non è solo una compagnia, ma un modo di pensare l’arte come viaggio, esperienza collettiva, gioco e rito. Un teatro senza confini, capace di incantare adulti e bambini in ogni angolo del mondo.
Il loro palcoscenico ideale non è la sala tradizionale ma la strada, le piazze, gli spazi non convenzionali: luoghi vivi, aperti all’incontro diretto con lo spettatore.
La loro storia comincia nel 1987, quando Marco Grignani e Federica Lacomba salpano letteralmente alla volta dell’arte, dando avvio alla loro avventura creativa su una barca-teatro in Grecia. Dodici artisti provenienti da mondi diversi – danza, teatro di figura, videoarte – danno vita a un esperimento collettivo, un sogno in navigazione tra le isole dell’Egeo. Da quell’esperienza di comunità nasce il seme di un linguaggio teatrale unico, che ancora oggi nutre il lavoro della compagnia.
Negli anni, Girovago e Rondella hanno sviluppato un’estetica inconfondibile, dove la manipolazione fisica, il teatro visuale e la drammaturgia non verbale si fondono in un’esperienza teatrale intima, straniante, profondamente umana.
Attualmente la compagnia vive e lavora a Vetralla (VT), presso lo Spazio Dromosofico, una casa-atelier immersa nella natura, sede di residenze artistiche, laboratori internazionali e incontri formativi, dove si esplorano linguaggi di frontiera: dalla costruzione della marionetta al suono come drammaturgia, dalla manipolazione corporale alla regia di uno spettacolo senza parole.
Girovago e Rondella collaborano regolarmente con il Dipartimento di Arti e Spettacolo dell’Università “La Sapienza” di Roma, dove sono invitati a tenere workshop e conferenze sulle nuove forme del teatro visuale e performativo.

I burattini di Mattia Zecchi
La compagnia nasce dall’incontro tra passione, dedizione e un lungo apprendistato nell’arte del teatro di figura. Mattia Zecchi si avvicina ai burattini sin da bambino, seguendo con entusiasmo e curiosità il lavoro del maestro Romano Danieli, di cui è stato allievo e collaboratore. Proprio accanto a lui apprende i segreti della “baracca”, l’uso delle voci, la costruzione dei personaggi e il ritmo scenico, sviluppando uno stile personale fondato sulla tradizione emiliana.
Nei suoi spettacoli, Zecchi dà vita a un mondo popolato da figure storiche come Fagiolino, Sganapino, Balanzone e Sandrone, rinnovandone le vicende con vivacità narrativa, comicità contemporanea e un sapore popolare autentico. Accanto ai classici del repertorio, propone testi nuovi o rivisitati, mantenendo sempre un equilibrio tra memoria e invenzione.
La compagnia lavora con burattini a guanto realizzati artigianalmente nel pieno rispetto delle tecniche della tradizione emiliana. Il tratto distintivo è l’energia con cui Zecchi anima la scena: un gesto preciso, una voce camaleontica e una capacità naturale di coinvolgere grandi e piccoli con intelligenza e ironia.
Nel lavoro di Mattia Zecchi, il teatro dei burattini non è nostalgia: è un linguaggio vivo, corporeo e diretto, capace di far ridere, pensare e sognare.